Питання, чому в історії мистецтв не було великих художниць, досі не втрачає актуальності, хоча арт-критик Лінда Нохлін відповіла на нього ще 1971 року в однойменному есе. Редакція The Art Newspaper Russia, зі свого боку, вирішила згадати художниць минулого, які займалися живописом, скульптурою, роботою по тканині — словом, мистецтвом, незважаючи на недоступність освіти, відсутність прав та зневагу сучасників.
Плаутілла Неллі (1524–1588)
Італія
Плаутілла Неллі. Свята Катерина з квіткою. Courtesy of The Uffizi Gallery
Перша відома флорентійська художниця епохи Відродження була монахинею монастиря флорентійського Святої Катерини Сієнської, а згодом стала його настоятелькою. На відміну більшості монастирських художниць, її творчість не обмежувалося ілюстрацією манускриптів — вона писала багатофігурні полотна великого формату на релігійні сюжети, причому живопису вона вчилася самостійно, копіюючи роботи інших майстрів. Художниця, надовго забута історією мистецтв багато в чому через невелику кількість творів, що збереглися, була проте досить популярна свого часу. Наприклад, Джорджо Вазарі відзначав її роботи в «Життєписах найбільш знаменитих живописців, скульпторів та архітекторів». Причому він, цілком у дусі феміністської критики мистецтва, писав, що Плаутілла Неллі «могла б створити чудові речі, якби вона, подібно до чоловіків, мала можливість вчитися і займатися малюнком і відтворювати живу натуру».
Катерина ван Хемессен (1528 – після 1587)
Нідерланди
Катерина ван Хемессен. Жінка портрет. Courtesy of Rijksmuseum, Amsterdam
Фламандська художниця була дочкою відомого майстра Яна ван Хемессена, який і навчив її живопису. Здебільшого писала портрети, але збереглися та її картини релігійні сюжети (писати їх було престижніше, ніж жанрові речі). Їй належить один із найраніших у Північній Європі автопортретів за роботою (наголошувати на суспільному становищі художника було не прийнято, як і демонструвати робочі інструменти). Художниця була досить успішною свого часу: вона входила в гільдію Святого Луки і навіть мала трьох учнів. Пізніше, приблизно у 1540-х роках, Катерина ван Хемессен стала придворною художницею Марією Австрійською. Високе заступництво забезпечувало їй свободу від контролю гільдії та пристойне утримання, а після смерті Марії Австрійської в 1558 Катерина ван Хемессен отримувала пенсію, що забезпечувала їй комфортне існування.
Софонісба Ангвіссола (близько 1532 – 1625)
Італія
Софонісба Ангвіссола. Courtesy of The Kunsthistorisches Museum, Війна, Austria
Софонісбу Ангвіссолу від багатьох професійних художниць відрізняє походження: вона народилася в аристократичній сім'ї, тоді як більшість її колег були доньками художників, які навчали їх ремеслу. Як і всі п'ять її сестер, вона здобула різнобічну освіту, що включала живопис, за однією з версій, через те, що в сім'ї довго не народжувався спадкоємець, а забезпечити шістьох дочок приданим було складно. Досягти успіху в професійному малярстві, втім, вдалося лише Софонісбе, чималою мірою завдяки активному сприянню батька, який просив про підтримку молодої художниці авторитетних майстрів, у тому числі Мікеланджело. Як придворна художниця вона майже 15 років служила при іспанському дворі, де мала високий статус, судячи з того, що перед її поверненням до Італії король Філіп II вибрав їй у чоловіки заможного сицилійського аристократа і забезпечив посагами. Художниця спеціалізувалася на портреті, оскільки не могла змагатися із чоловіками у зображенні багатофігурних композицій: жінкам було заборонено вивчати оголену натуру. У своїх роботах вона поєднувала традиції італійського та іспанського портрета, через що багато картин Ангвіссоли в XIX столітті, коли інтерес до її творчості практично зник, помилково приписувалися Алонсо Санчесу Коельо, що працював при іспанському дворі приблизно в той же період, Джованні Мороні і навіть Тиціану. Перша велика персональна виставка художниці відбулася лише у 1994 році, приблизно на цей час припала реабілітація її імені в історії мистецтв.
Марієтта Робусті (близько 1560 – 1590)
Італія
Марієтта Робусті. Автопортрет. Courtesy of The Uffizi Gallery
Старша дочка Якопо Робусті, більш відома як Тінторетто. Художник сам навчав її, і згодом вона працювала у його майстерні. Біограф Тінторетто Карло Рідольфі писав, що Марієтта в дитинстві переодягалася у хлопчика, щоб скрізь супроводжувати батька. Про її життя відомо небагато, як і про творчість. Збереглася лише одна точно атрибутована робота Марієтти Робусті — «Портрет літнього чоловіка з хлопчиком» (близько 1585), яка довго вважалася полотном Тінторетто, поки 1920 року на ньому не виявили монограму художниці. Ідентифікацію її творів ускладнює схожість манери з батьківською та відсутність достовірних описів того, у створенні яких саме робіт митця вона брала участь. Про успішність Марієтти можна судити з того, що двічі її запрошували стати придворною художницею — Філіпом II і Максиміліаном II, і обидва рази батько не відпустив дочку, а виїхати за своєю волею вона не мала права. Замість служби при дворі Тінторетто видав заміж за венеціанського ювеліра Якопо Аугуста. Невелика кількість робіт, що збереглися, пояснюється і нетривалістю життя художниці: вона померла у віці приблизно 30 років, імовірно при пологах.
Юдіт Лейстер (1609–1660)
Нідерланди
Юдіт Лейстер. Автопортрет. Courtesy of National Gallery of Art, Washington DC
Чому Юдіт Лейстер стала художницею і в кого вона вчилася живопису (її батько був пивоваром), невідомо. Однак у 1633 році вона вступила до харлемської гільдії Святого Луки і стала в ній єдиною жінкою, яка мала власну художню майстерню та учнів чоловічої статі. 1636 року художниця вийшла заміж за свого колегу Яна Мінсе Молінара і практично перестала займатися живописом, принаймні самостійно. Творча спадщина Юдіт Лейстер, яка писала в основному жанрові сцени, як це часто траплялося з художниками-жінками, після її смерті практично розчинилася: багато робіт було втрачено, ще частина приписувалася іншим авторам. Наприклад, «Весела пара» (1630) до 1893 вважалася однією з кращих робіт Франса Халса, і саме під його ім'ям картину купив Лувр. А амстердамський Рейксмузеум придбав як одну з найвідоміших робіт того ж Халса її «Веселого господаря» (1629).
Мері Біл (1633–1699)
Великобританія
Мері Біл. Портрет невідомий. Courtesy of Moyse's Hall Museum
Мері Біл вважається першою професійною художницею Англії, і, що особливо примітно, саме її праця приносила основний дохід сім'ї. Чоловік художниці допомагав їй у майстерні та займався адміністративною частиною роботи. Свого часу вона вважалася однією з найкращих портретисток Англії, її картини високо оцінював популярний тоді придворний художник Пітер Лелі, з яким вона дружила і художній вплив випробувала.
Мері Мозер (1744–1819)
Великобританія
Мері Мозер. Натюрморт. Courtesy of British Royal collection
Менш відома сучасниця Ангелики Кауфман була другою жінкою-засновницею Королівської академії мистецтв. На знаменитому груповому портреті академіків (1771–1772) Йоганна Цоффані вона представлена портретом поряд із зображенням Кауфман — жінки-академіки, вочевидь, не могли брати участь у сцені з оголеними моделями-чоловіками, тож художник окреслив їхню присутність портретами. Як і Кауфман, Мері Мозер мала швейцарське походження, щоправда, на відміну від першої, народилася в Лондоні, в сім'ї художника на емалі Джорджа Майкла Мозера, чиї зв'язки значною мірою допомогли кар'єрі його дочки. Першу медаль Королівського товариства мистецтв вона здобула у 14 років за малюнки квітів. На зображенні квіткових натюрмортів вона зосередилася і надалі, ставши однією з двох художників з такою спеціалізацією в академії.
Марі-Деніз Вільєр (1774–1821)
Франція
Марі-Деніз Вільєр. Молода жінка малювання. Courtesy of Metropolitan Museum of Art
Як це часто бувало з художницями, роботи Марі-Деніз Вільєр практично не збереглися, а біографія відома уривчасто. Її сестри також займалися живописом, сама вона навчалася в Анн-Луї Жіроде-Тріозона і, можливо, у Жака Луї Давида, який не тільки брав у учениці жінок, а й заохочував їхню цікавість до історичних сюжетів. Він підштовхував художниць до участі у салонах, куди після Великої Французької революції їм було відкрито широкий доступ. Марі-Деніз Вільєр у салонах брала участь неодноразово, одного разу удостоївшись премії 1,5 тис. франків. Копію її представленої на одному з салонів картини «Дитина в колисці, яку понесла повінь місяця нивоз X року» замовляв князь Микола Юсупов для Архангельського. Найвідоміша картина Вільєр «Молода жінка, що малює» (1801) з Метрополітен-музею довгий час вважалася роботою Давида і пройшла цілу серію переатрибуцій — від Франсуа Жерара до іншої учениці Давида, Констанс Карпентьє.
Роза Бонер (1822–1899)
Франція
Роза Бонер. Оранка в Невірі. Courtesy of Musée d'Orsay
Була, мабуть, найуспішнішою художницею ХІХ століття і одним із найвідоміших художників-анімалістів. Її батько — вчитель малювання — належав до школи сенсимоністів, котрі проголошували ідеали жіночої рівності. «Чому я не можу пишатися тим, що я жінка? Мій батько, затятий прихильник гуманізму, багато разів казав мені, що роль жінки – підняти рід людський, що жінка є Месія майбутніх століть. Від нього, з його вчення я дізналася про велике, благородне призначення статі, приналежністю до якої я пишаюся і незалежність якої відстоюватиму до останнього дня мого життя…» — говорила Роза Бонер. Все її життя йшло врозріз із традиційними уявленнями про жіночність: вона не одружилася, пояснюючи відмову від шлюбу небажанням втрачати незалежність, носила брючний костюм (виправдовувала специфікою роботи з тваринами) і жила з жінками, хоча лесбіянкою себе ніколи не називала. Міжнародний успіх прийшов до неї після показу на Салоні в 1853 полотна «Ярмарок коней». Пізніше королева Вікторія організувала приватний показ цієї картини в Букінгемському палаці, і взагалі у Великій Британії роботи Бонер мали навіть більшу популярність, ніж у її рідній Франції. Втім, на батьківщині вона стала першою художницею, яка отримала орден Почесного легіону, а серед інших нагород були іспанський орден Ізабелли Католицької та орден Леопольда Бельгійського, що підтверджує її міжнародну популярність.
Маріанна Норт (1830-1890)
Великобританія
Маріанна Норт. Nepenthes northiana. Phillips, A., A. Lamb & CC Lee Publishing 2008
Мандрівниця та ботанічний ілюстратор, Маріанна Норт не була художницею в строгому значенні слова: вона не отримала професійної освіти. У дитинстві та юності Маріанна часто відвідувала Королівські ботанічні сади К'ю, директор яких був другом її батька, де вивчала тропічну флору. Після смерті батька Маріанна Норт, якій на той момент було майже 40 років, отримала солідну спадщину, вона дозволила їй не виходити заміж і подорожувати майже все життя. До шлюбу вона мала глибоке огиду, вважаючи, що він перетворює жінку на «когось на зразок старшої прислуги». Майже чверть століття, з 1871 по 1885 рік, вона присвятила подорожам по всьому світу та зображенню рослин. Свої знахідки Норт писала маслом, хоча жанр ботанічної ілюстрації мав на увазі графіку, і зображала рослини в їхньому природному середовищі, а не на білому тлі, як було прийнято тоді. За відсутності кольорової фотографії її роботи з ретельно промальованими деталями були корисні з науковою метою. Своїми ботанічними знахідками Маріанна Норт ділилася з Чарльзом Дарвіном, а роботи передала Королівським ботанічним садам К'ю, де на її кошти спеціально для них була побудована галерея.
Харрієт Пауерс (1837–1911)
США
Харрієт Пауерс. Біблійне полотно. Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston
Харрієт Пауерс народилася в рабстві на території штату Джорджія. Вона поєднувала традиційну американську техніку квілта з аплікацією, що має східноафриканське коріння, і створювала унікальні клаптеві полотна. Збереглися лише дві її роботи, в яких вона зверталася до біблійних сюжетів, місцевих легенд і, не до кінця зрозумілих причин, астрономічних явищ. Перший її твір – "Біблійне полотно" (1885-1886) – купила художниця Дженні Сміт, помітивши його на виставці бавовни в Атенсі в 1886 році. Тоді Пауерс відмовилася розлучатися з роботою, проте через чотири роки через фінансові труднощі була змушена продати її, пояснивши зміст зображених сюжетів: всі вони були взяті з Біблії. Сюжети другої з відомих робіт Харрієт Пауерс запозичені не лише з Біблії, а й з легенд, у ній вона також зобразила стихійні лиха і навіть деякі події американської історії. Після скасування рабства у Пауерс та її чоловіка була невелика ферма і приблизно півтора гектари землі, але у 1890-х добробут сім'ї став погіршуватися, чоловік почав продавати землю, а потім взагалі кинув дружину з дітьми. Більше вона не виходила заміж і до кінця життя, швидше за все, жила на доходи від шиття.
Мері Кассатт (1844–1926)
США, Франція
Мері Кессет. Чаювання. Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston
Більшу частину життя провівши у Франції, Мері Кассатт була однією з перших жінок (і єдиною американкою), які приєдналися до імпресіоністів, які знаходилися на той момент в опозиції до офіційного мистецтва. Незважаючи на цілком академічну художню освіту (вона навчалася у салонного художника Жана Леона Жерома і сама неодноразово виставлялася на Салоні), Кассатт прийняла запрошення Едгара Дега приєднатися до незалежної групи художників. Під впливом Дега змінила техніку листи та тематику своїх робіт, почавши писати переважно матерів з дітьми, які і стали головним мотивом її творчості. Крім безпосередньо живопису, Кассатт виступала у ролі арт-консультанта колекціонерів. Завдяки її порадам збори Генрі Осборна Хевемайєра та його дружини Луїзини, більша частина якого зараз зберігається в Метрополітен-музеї, поповнилася роботами Дега, Едуарда Мане, Каміля Пісарро та Клода Моне.
Емілія Шанкс (1857-1936)
Росія, Великобританія
Емілія Шанкс. Нова в школі. Державна Третьяківська галерея
Перша із двох жінок, прийнятих у Товариство пересувних художніх виставок (другою була Антоніна Ржевська), народилася в сім'ї успішного англійського підприємця Джеймса Шанкса, власника ювелірної майстерні та магазину у Москві. Відвідувала Московське училище живопису, скульптури та зодчества як вільну слухачку, її вчителями були Володимир Маковський, Іларіон Прянішников і Василь Поленов, з яким вона продовжувала дружити і після закінчення училища в 1890 році. Паралельно живопису Емілія Шанкс захоплювалася фотографією, знімаючи здебільшого сільський побут та природу. З 1891 виставлялася разом з передвижниками, і вже в 1892 її роботу «Нова в школі» високо оцінив Ілля Рєпін, а Павло Третьяков придбав її в свою колекцію. 1894 року Емілію Шанкс 15 голосами (більше, ніж за Валентина Сєрова) обрали членом Товариства пересувних художніх виставок. Напередодні Першої світової війни вона разом із сім'єю повернулася до Лондона, де продовжила виставлятися у Королівській академії мистецтв.
Марія Башкирцева (1858-1884)
Росія, Франція
Марія Башкирцева. Парасолька. Courtesy of The Russian Museum
Відома в основному завдяки своєму щоденнику, особливо популярному на початку XX століття: шанувальницею Башкирцевою була Марина Цвєтаєва, його високо оцінювали Валерій Брюсов та Сергій Андріївський. Більшу частину життя Башкирцева, яка народилася у Полтавській губернії, прожила у Франції, куди її у дитинстві забрала мати після розлучення з батьком художниці. Юна Марія хотіла стати балериною, потім співачкою і навіть почала робити кроки в цьому напрямку, але о 16-й дізналася, що хвора на туберкульоз, а років з 18-ти через хворобу стала втрачати спочатку голос, а потім і слух. Приблизно тоді ж Марія, яка найбільше мріяла про славу, вирішила зайнятися живописом і вступила до приватної Академії Жюліана (Національна вища школа образотворчих мистецтв була, як і раніше, недоступна для жінок). Свою мистецьку освіту вона оцінювала невисоко. «Я приречена на самотність чи посередність жіночої майстерні, — пише вона у щоденнику. — Тут вас не штовхають уперед, не заохочують, і ви гнієте на місці. Ах, чому я тільки жінка? Вона активно виступала проти закритості для жінок системи академічної художньої освіти і навіть написала про це статтю до журналу «Громадянка» під псевдонімом Полін Орель. Проте художниця виставлялася на Салоні, а її роботи придбав Лувр. Померла Марія Башкирцева в 25 років від сухот, встигнувши створити близько 150 картин, 200 графічних робіт і трохи скульптури, з яких збереглася невелика частина, багато що загинуло під час Другої світової війни.
Марія Якунчикова (1870–1902)
Росія, Франція
Марія Якунчікова. Виконане за ескізом художниці настінне клаптикове панно. Courtesy of Christie's
Марія Якунчикова народилася у сім'ї підприємця Василя Якунчикова та Зінаїди Мамонтової. Сава Мамонтов був її матері двоюрідним братом, а рідна сестра Зінаїди Віра була одружена з Павлом Третьяковим, тож шансів залишитися осторонь мистецтва у майбутньої художниці практично не було. Живописом вона захопилася вже в дитинстві — для навчання дітей Якунчикових найняли художника Микола Мартинова. У 15 років пішла вільнослухачкою до Московського училища живопису, скульптури і зодчества і незабаром зблизилася з сім'єю Поленових (її старша сестра Наталія в 1882 році вийшла заміж за Василя Поленова), регулярно беручи участь у їхніх малювальних вечорах. Особливо дружна Якунчикова була з молодшою сестрою художника Оленою Полєновою, яка захоплювалася народним мистецтвом сама та захопила Якунчикову. Коли Марії було 18 років, вона виявила туберкульоз. Лікарі рекомендували змінити клімат, і Якунчикова переїхала до Європи, буваючи з того часу в Росії лише наїздами. У Парижі вона вступила до Академії Жюліана, а приїжджаючи на батьківщину, жила і працювала у Поленових у Бехові та у Мамонтових в Абрамцеві, де чимало уваги приділяла декоративно-ужитковому мистецтву, особливо кераміці та випалюванню по дереву. В 1896 вийшла заміж за лікаря Леона Вебер-Баулера, через два роки у них народився перший син. У цей же час Сергій Дягілєв запросив Марію Якунчикову взяти участь у «Виставці російських та фінляндських художників» та замовив їй обкладинку для журналу «Світ мистецтва». У 1900 році брала участь в оформленні кустарного відділу російського павільйону Всесвітньої виставки в Парижі, де її робота отримала срібну медаль. Але незабаром у сина Якунчикової виявили туберкульоз, а народження 1901 року другу дитину підірвало її здоров'я остаточно — 1902 року художниця померла. «Вона була характерно-російською жінкою з типово-російським обдаруванням… Як тільки вона почала розвиватися як художниця, вона вийшла заміж, потім діти, потім серйозна хвороба сина і, нарешті, смерть. Якунчикова мало встигла, особливо, порівняно з тим, що могла. Але в усьому, що вона, похапцем, між дитячими пелюшками і шумом Парижа мала час зробити — вона виявляла глибину чудового обдарування, чуття і любові до далеких від неї російських лісів, цих „ялинок та осинок“, до яких вона ставилася з якимось. благоговінням і яких прагнуло все життя», — писав про Якунчікову Сергій Дягілєв.
Ельза фон Фрейтаг-Лорінгховен (1874–1927)
США
Ельза фон Фрейтаг-Лорінгофен. Courtesy of Library of Congress
Ельза Плец народилася в Німеччині в сім'ї будівельника та політика, який вів розгульне життя та бив її матір. Заразившись сифілісом, остання намагалася накласти на себе руки і пізніше померла в психіатричній лікарні. Як казала Ельза, мати «залишила мені у спадок… боротьбу». Вона була тричі заміжня і всі три рази невдало. Останній чоловік Ельзи – Леопольд Карл Фрідріх барон фон Фрейтаг-Лорінгховен, за якого вона вийшла вже в Америці, втік, прихопивши її мізерні заощадження і залишивши їй свій титул і можливість увійти до аристократичних кіл Нью-Йорка. Все своє життя Ельза перетворила на дадаїстський витвір мистецтва: вона писала вірші, влаштовувала перформанси, створювала скульптури та колажі зі знайдених на смітнику предметів. Художник Джордж Бідл у 1917 році описував її кімнату в Нью-Йорку як забиту «якимись розрізненими залізцями, автомобільними шинами… урнами для сміття, що наводили жах і огиду, які для її змученого, але надзвичайно чутливого сприйняття стали об'єктами прекрасного. .» «Для мене її кімната була така ж органічна, як, наприклад, студія Бранкузі в Парижі», — говорив він. Існує теорія, що легендарний «Фонтан» належав саме руці Ельзи, а Марсель Дюшан лише надав собі авторство — докладніше про це можна прочитати в цьому матеріалі.
Олена Кисельова (1878–1974)
Росія, Югославія
Олена Кисельова. Дівчата на виданні. Courtesy of MRI
Олена Кисельова, чиї роботи стали відомі широкому загалу завдяки виставці в Музеї російського імпресіонізму, мала всі шанси увійти в історію вітчизняного мистецтва: випускниця Імператорської академії мистецтв, навчалася в майстерні Іллі Рєпіна, стала першою жінкою, яка в 1907 році отримала закордонне пенсіонер року прийнятої до Товариства архітекторів-художників. Писала переважно портрети. «Композиція чи краєвид мені були мало цікаві. Я завжди була портретисткою і пристрасно любила зображати вродливих, цікавих жінок», — зізнавалася Кисельова. Забуттю художниці чимало сприяла еміграція до Королівства сербів, хорватів та словенців (майбутньої Югославії), куди вона переїхала з чоловіком у 1920 році. Про цей час вона писала: «Життя давно забрало мене всю, і художницею я була якось збоку, осторонь. А головне, було дуже складне, важке життя. А тут революція, війна, біженство. У цей важкий час у мене створилася нова сім'я, народився син, де вже тут було думати про мистецтво». Після смерті сина в 1944 році вона взагалі перестала займатися живописом. Спадщиною Олени Кисельової наприкінці 1960-х років зацікавилася воронезька мистецтвознавець Марина Луньова, яка листувалася з художницею та активно сприяла поверненню частини її робіт на батьківщину.
Джерело: izbrannoe.com
Сподобалася стаття? Поділіться з друзями на Facebook:
